Movimiento.org y la Red Sudamericana de Danza

Natacha Melo, coordinadora de la red social “movimiento.org” y de la “Red Latinoamericana de Danza” estará en mov-s/madrid, en la sesión Presentación de Proyectos del viernes 11 de junio a las 16:00h.

Movimiento.org

Las redes sociales en Internet son espacios de intercambio dinámico con un sistema abierto en construcción permanente, que se va transformando con los aportes de cada miembro. Conectan personas y grupos con intereses comunes que se vinculan e interactúan. Las personas comparten información, colaboran en la creación de contenidos alimentando al colectivo, conforman comunidades que integran y relacionan diversidad de situaciones y contextos, siendo ésta su complejidad y fortaleza. El colectivo fortalece a las personas que lo conforman, trabajando en torno a la información generada por ellos mismos y posibilitando cambios que en lo individual presentarían gran dificultad.

La Web 2.0 se construye mediante módulos de información que pueden conectarse mediante interacción dinámica. Gracias a los feeds RSS (Really Simple Syndication), es posible suscribirse a fragmentos de información provenientes de diferentes fuentes y reunirlos en un solo espacio, facilitando la comunicación entre aplicaciones y sistemas operativos, bases de datos, etc. Su arquitectura de participación permite mezclas y transformaciones. Aprovecha la inteligencia colectiva, enriqueciéndose a medida que más gente participa. Facilita la colaboración, el desarrollo de procesos descentralizados y la distribución de información.

Movimiento.org es una red social del tipo 2.0. Es una plataforma de encuentro dedicada a la danza y al pensamiento generado por la danza, creada en colaboración entre la Red Sudamericana de Danza e Idanca.net, portal digital brasilero de danza contemporánea.

Sus miembros pueden crear sus propios blogs, formar grupos de trabajo, subir fotos, textos, videos, eventos, proponer foros, conectar otras redes, conocer y chatear con otros miembros, formar sus grupos de contactos, enterarse de manera más fácil y directa todo lo que se está haciendo en la red. No necesitan intermediarios para publicar sus noticias y de esta participación depende la difusión de convocatorias, estrenos y muestras, talleres y otras actividades regionales. En un año y medio ha generado 3500 miembros y alta cantidad de información.

Movimiento.org creará MovimientoTV, canal de video en-línea que tendrá el objetivo de brindar una herramienta a la comunidad de artistas para investigar, crear y documentar en colaboración, dando visibilidad a los eventos e iniciativas de la danza sudamericana. Esta plataforma de transmisión ofrecerá un nuevo espacio performático, con gran potencial creativo y estético para los artistas. Mediante la realización de trasmisiones en vivo y diferidas producirá una programación que brindará un registro de material relevante para la danza latinoamericana dentro del contexto global. El canal se desarrollará en colaboración entre la RSD, Idança.net y Dance-tech.net y comenzará a funcionar en el segundo semestre del 2010.

Por último y en sinergia con estos espacios colaborativos la RSD realiza hace año y medio el proyecto Red en Movimiento, que promueve la capacitación en trabajo en red y en herramientas de Internet. Los talleres plantean una introducción accesible a la nueva Internet y la tecnología Web 2.0. a través de actividades teórico – prácticas, explorando el potencial de estas arquitecturas tecnológicas para el desarrollo de nuevos modelos de interacción, intercambio y colaboración. Los nuevos medios como generadores de cambios en la creación artística y la utilización de la web como prolongación de la creación propia. Se han realizado talleres en Argentina, Bolivia, Brasil y Uruguay, en el 2010 se realizarán en Paraguay, Ecuador y Colombia, sumando otras instancias en diversos eventos de danza latinoamericanos.

La RSD realiza estos programa con el apoyo de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo y del Instituto Humanista de Cooperación con los Países en Desarrollo, de Holanda. El proyecto www.idanca.net es patrocinado por Petrobrás de Brasil y la Fundación Príncipe Claus de Holanda.

Más información en www.movimiento.org

Red Sudamericana de Danza / RSD

La Red Sudamericana de Danza es una iniciativa de integración y colaboración entre diversos actores de la danza y la cultura pertenecientes a los países de América del Sur, con proyección internacional.

Su objetivo principal es contribuir al enriquecimiento de las relaciones latinoamericanas proyectando un espacio de intercambio y desarrollo, relacionando intereses y temáticas como arte y transformación social, tecnologías de la comunicación, educación artística, creación, producción y circulación de danza.

Favoreciendo sinergia, capacitaciones, circulación y sistematización de saberes, promoviendo herramientas, modalidades y espacios asociativos de trabajo, la red vincula nuevas formas de organización social con nuevas formas de desarrollo artístico y apoya una danza que investiga, en un contexto más amplio, nuevos sentidos en la cultura.

Ejes de trabajo, actividades y objetivos 2010 / 2012

1 / Articulación y colaboración regional

– con redes, asociaciones e instituciones de la región, con el objetivo específico de difundir políticas públicas, gestionar convenios, promover acciones conjuntas y coordinadas, potenciar recursos, confrontar estrategias y resultados

– entre todos los miembros de la red, a través de la participación en plataformas virtuales de intercambio como la red social Movimiento.org, el sitio web Rsd.org, y el canal web de video digital MovimientoTV en creación y desarrollo

2 / Capacitación del sector

– a través de talleres en formato presencial y virtual en tres temáticas prioritarias (nuevas herramientas de Internet al servicio del trabajo colaborativo, metodologías de trabajo en red, gestión y producción de la danza (Proyecto Red en Movimiento)

– en encuentros presenciales regionales de creadores y gestores culturales, con el objetivo de conocer las posibilidades de cada contexto, articular socios claves, fomentar nuevas relaciones, provocar movilidad, identificar y actualizar prácticas de creación y producción artística

– mediante la distribución de publicaciones anuales que documentarán el conocimiento generado por las experiencias de los grupos de trabajo y los proyectos regionales de la red

¿Cómo participar en la red?

Los miembros de la RSD se registran a través de la red social donde se relacionan y participan según sus necesidades e iniciativas, ya sea compartiendo información de sus actividades, proponiendo foros de discusión o articulando grupos de trabajo. En un compromiso mayor, los miembros participan de proyectos colectivos de la red (encuentros, talleres, publicaciones), apoyan el desarrollo de sus actividades, coordinan producciones locales o integran el Grupo de Gestión, que es el que articula los programas regionales y vela por el desarrollo de la red en su conjunto.

En la actualidad y luego de diez años de existencia, la red reúne a 3500 miembros de la región y comienza a sistematizar prácticas, apoyada además por el impulso y la popularización de las tecnologías de la información y el surgimiento de otras redes. La RSD cuenta con el apoyo del Instituto Humanista de Cooperación con los Países en Desarrollo de Holanda, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo – AECID, y numerosos fondos, instituciones, y organizaciones locales.

Más información: red@movimiento.org / www.movimiento.org

Hip hop projects of Moov’n Aktion in Europe

Presentation by Dirk Korell. Dirk is founder of MOOV’N AKTION in Paris and camin aktion in Montpellier. He will be at mov-s/madrid “Projects Presentation” session on Friday June 11 at 16:00 pm

The question of the link between the stage and the audience, the dancer and the spectator is a very interesting one when it comes to the hiphop culture.

It is important to define what we speak about, as hiphop is non a dance style, but a culture with various expressions : DJing, MCing, spray can art (graffiti), and then dance : bboying, popping, locking, wacking, with a number of assimilated dance forms such as electric boogaloo, house dance etc. No worry, we won’t get lost and resume to : dance.

Historically, dance was a social expression in hiphop, part of the block parties in New York. A social dance : everybody could get into the flow, and dance. Through the years, hiphop grew worldwide, the dance forms more and more complex. Not easy not to be complexed dancing in a club on the same dance floor as highly trained hiphoppers with their incredible skills, but yet : it still is a social dance. Or, more precisely : a non-academic dance.

Although hiphop is taught in dance classes, there is no official diploma ; the transmission is mostly done from person to person. At some points, hiphop dance is close to classical dance (codified movements, dance to music and rythm), but in the same time, very contemporary : open for evolution, the personal style is more important than the exact execution of a movement.

As we know, hiphop has a large dynamic (not only) in the younger generations. An impressive number of persons practice, or have notions, of hiphop dance. Crews are often born amongst a bunch of friends, and eventually grow more professional, gain respect and become famous in the numerous dance battles, organized from the smallest towns on all continents to world-wide events such as Battle of the Year, Dance Delight or Juste Debout.

During the battles, there is a stage and there is the audience : but the interaction is the base of everything. Participants are in the audience once they battled in the circle, others are part of the jury, and even «pure spectactors» are important for the whole atmosphere, often well trained in the analysis of the movements and skills, as they might dance themselves on different levels. A battle with no audience would make no sense.

Since more than 20 years, specially in France, generations of hiphop choregraphers grew up, composing with this language, creating staged work for theatres. Different expressions and behaviours got confronted : participative spectators enter a theatre with a clear distinction between the stage and the audience, between offering and receiving, showing and «consuming». Not rarely, the «hiphop audience» is more reactive and interactive than «classical» spectators, giving a direct feedback to the stage through applause and enthousiastic reactions.

But even in a more passive way to contemplate the work, to receive the catharsis of what we experience through dance and the mystery of stage, there is this knowledge of a large group of hiphop spectators of the dance technics, of cultural and aesthetic codes. This might be a danger for creation (sticking to codes can limit an artistic freedom), but allows a more silent, but still existing exchange : as everybody potentially has the chance to grow into hiphop as a non-academic culture, it is not rare to identify oneself with the dancers onstage which one even might know personally, or from this or that battle in a pretty different context, but with the same feeling : this person is part of the same family as myself.

Or : somewhere, what happens onstage, is me, too. The famous 4th wall of theatre is, in this sense, more permeable than in other aesthetics.

Dirk Korell

After his theatre studies in Germany (University of Giessen) and in France (University Paris 8, Saint-Denis), Dirk Korell worked as Production Director at the theatre MC93 Bobigny (theatre, opera and dance) from 1991-1999. At the same time, he managed a hiphop dance company and worked with a festival in the Parisian suburbs open to all artistic expressions of the hiphop culture.

In 1997, with Yacine Amblard, he founded MOOV’N AKTION. Since the first year, the organization produces a yearly international dance festival in the outskirts of Paris, Danse HipHop Tanz, and also represents companies[1], choreographers and dancers in France, Germany, Belgium and Brazil, producing and diffusing choreographic creations. MOOV’N AKTION is very active in the conception and organization of international cultural cooperation programs in the field of hiphop culture, mostly realized in collaboration with both French and German cultural networks worldwide[2].

2009, Dirk founded the organization camin aktion, based in Montpellier, specialized on dance : production, diffusion, company support & development, cultural cooperation in the Mediterranean, training programs for young producers and choreographers. The associated companies[3], with a strong artistic identity, are all caracterized by the transgression of aesthetic borders and limits, for a rich artistic expression in dance.

Dirk works simultaneously both with MOOV’N AKTION in Paris, and with camin in Montpellier.

For several years, Dirk Korell was one of the experts of the Dance Commission of the regional branch of the French Ministry of Culture (DRAC) in the region of Paris.

Dirk Korell is board member of the international network for perforaming arts, IETM.

More informations :

www.moovnaktion.org

www.caminaktion.eu (site under construction. camin is present on facebook.)

Contact :

dirk@moovnaktion.org

contact@caminaktion.eu

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[1] Storm (Berlin). Raphael & Sébastien (Berlin/Perpignan). Collective Jeu de Jambes (Paris). Company Discípulos do Rítmo/Frank Ejara (São Paulo). Company Tribal Sarong/Yiphun Chiem (Brussels).

[2] Ivory Coast, Brazil, Vietnam, Indonesia, Cambodia, Cuba, Singapore.

[3] Company Chantier, David Drouard (Laval). Company Cypher Dance/Tony Mills & Matt Foster (Edinburgh). Company Des Equilibres/François Berdeaux (Lodève). Company Sébastien Ramirez, Clash 66 (Perpignan). Company Stefanie Batten Bland/sbb birdlegs (New York/Paris).

El Espectador Acompañado

Texto introductorio para la presentación del proyecto “Laboratorio de Espectadores” del festival VEO de Valencia, por Mariví Martín el viernes 11 de junio a las 16:00h.

Mariví Martín es la directora artística del festival VEO (Valencia)

En esta ciudad, como en muchas otras, sólo se había considerado al espectador como objeto de análisis desde el punto de vista del marketing, es decir, como un consumidor. Nuestra intención, en cambio, nació de la necesidad de “conocer” al público, de acompañarlo. Con este objetivo pusimos en marcha en 2009 el Laboratorio de Espectadores; una línea de trabajo cercana a la mediación cultural que pone el acento en la idea de proximidad, de conexión y vivencia cultural, que tiene en cuenta tanto las personas como las prácticas artísticas. A través de diferentes formatos que se modifican en cada edición del festival, proponemos articular una aproximación entre el público y la escena contemporánea, dotando a cada espectador de instrumentos de interpretación, facilitando encuentros e intercambios con los artistas, conocimiento de los procesos creativos, acercamientos desde el cuerpo y la experiencia creativa.

El primer Laboratorio de Espectadores se realizó durante el Festival VEO 2009 y se encargó a tres jóvenes creadores de Valencia (Vicente Arlandis, Marc Martínez y Rocío Pérez). Ellos convocaron y coordinaron un grupo de crítica formado por 20 personas de perfiles muy diferentes y llamado “Reflexiones y balidos”. Visionaron todos los espectáculos del Festival y participaron en intercambios abiertos de opinión (tertulias) y otras actividades de talante más creativo. No todos los soportes tuvieron la misma fuerza de convocatoria ni la misma calidad en su resolución, pero –y a pesar de que sus miembros iniciales han cambiado-, el grupo sigue funcionando a través de su blog y se reúnen por su cuenta para ver espectáculos y concertar encuentros con los artistas, o debatir sobre el concepto de “espectador”.

En el segundo Laboratorio, realizado en VEO 2010, se acotó el perfil del participante a espectadores sin relación profesional con la creación escénica, y especialmente a profesionales de la educación, la formación, la gestión cultural y las políticas de creación y estimulación de públicos. La propuesta fue un Curso para espectadores impartido por el diseñador de las políticas de Mediación Cultural de La Villette (París), Mehdi Idir. El Curso planteó diferentes módulos: momentos de reflexiones compartidas sobre temáticas que surgían de la programación (¿Qué es ser espectador? ¿Qué es representar? ¿Qué vínculos hay entre el espacio de la actuación y el espectáculo?); un repaso por la memoria de algunos espectadores invitados; encuentros y talleres con los creadores; visitas a las áreas técnicas de los montajes más complejos; análisis de los espectáculos.

El propio Mehdi Idir nos aporta esta reflexión: “Estamos convencidos que los aspectos que hacen de las personas espectadores activos, dispuestos a reconocer y a la vez dar valor a la nueva creación escénica, van de la mano del conocimiento, del acercamiento y la interacción con los artistas. Sabemos que para conocer mejor las claves y los códigos de la creación contemporánea y, mas allá, para que los públicos alcancen en sus construcciones personales una autonomía cultural, y para disfrutar más las artes en vivo, hay que transformar las costumbres y proponer nuevas experiencias. Después de haber analizado en el Curso el espectáculo de Gabi Ochoa, los 25 espectadores decidieron ponerle un final a la historia que nos contó. Se puede pensar que el ejercicio no es muy importante. Sin embargo, ya está abriendo el camino hacia la creación. Más que nada, este Curso fue el enfoque del proceso creativo; su misión era promover la interpretación de los proyectos artísticos y culturales presentados en el VEO, aportando las herramientas simples pero necesarias para la construcción de una crítica sensible. En este sentido, el Curso trabajaba la relación entre pasado y futuro, la articulación de lo social y espiritual, la confrontación entre el individuo y el mundo”.

Networks and community

Saturday 12th June

Plenary session 2.-  Networks and community

The spectator is not an isolated being; he/she lives in a community, relates to others and communicates in many forms and ways. The fact of belonging to a community or cultural group allows them to share their feelings towards dance and it’s creative potential, giving birth to genuine moments of creative connectivity between people.

Today’s media has no frontiers and can also be as direct or as specialised as required to select the group or specific social network. Furthermore, the creative forms generated by and within a certain community acquire an artistic respect, which enriches the institutional tapestry that sustains the “official” culture.

¨      Speaker: Marten Sparberg

Mårten Spångberg is a performance related artist, writer and curator. He has created his own work since 1994 with emphasize on choreographic structures, and has been commissioned as a choreographer for e.g. the Frankfurt Ballet. His work has been shown in most European countries and he has worked with choreographers such as Xavier Le Roy and Les Ballets C de la B. From 1996-04 he organized and curated the international performance/dance festival Panacea and was commissioned curator of performing arts at the Gulbenkian Foundation, Lisbon, 2001-04. He was visiting professor at the Univ. of Giessen 2000-02, lecturer at P.A.R.T.S. 2001-06 and was teaching long-term classes both at the arts academy in Maastricht, as well as at Royal School of Theatre in Stockholm.

¨      Artist testimony

• Interviewer: Dieter Jaenicke

Artistic Director of HELLERAU – European Center for the Arts Dresden

• Artist: Lia Rodrigues

Lia Rodrigues is considered to be one of the Brazilian most accomplished and innovative avant-garde choreographers. She is the founder of the Panorama dance festival and was its artistic director until 2005. Lia is known for her political commitment. In this spirit, she started rehearsing with her company at the Favela da Maré in Rio. Between 1980 and 1982, Lia worked at the Compagnie Maguy Marin in Paris, France, which gave her the opportunity to perform throughout Europe. Back in Brazil, she based herself in Rio de Janeiro and founded the Lia Rodrigues Dance Company in 1990.

The plenary session “Networks and community” will divide into 3 work groups that will tackle the following topics:

Working Group 2.1

¨      Creating in the community

• Initiator: Cecilia Macfarlane

Cecilia Macfarlane trained as a teacher at the Royal Academy of Dance and as a dancer at the London School of Contemporary Dance. She is an Oxford based independent dance artist with a national and international reputation for her work in the community.  She is the founding director of Oxford Youth Dance, DugOut Adult Community Dance and Crossover Intergenerational Dance Company and co-founding director of Oxford Youth Dance Company.  She was a Senior Lecturer in Arts in the Community at Coventry University for   nine years. Her work is based on her passionate belief that dance is for everyone; she celebrates the uniqueness and individuality of each dancer.  As a performer Cecilia is continually curious about expression, how movement can communicate so powerfully to others without the need for words. Her work is very influenced by her studies with Joan Skinner, Helen Poynor, Deborah Hay and most recently Anna Halprin.

Dance and movement arts in particular, constitute a valuable instrument of collaboration between people. Social groups belonging to cultural minorities, the youth, the elderly or socially or physically disadvantaged, find the necessary instrument within dance in order to develop their expressive and creative talents, sharing them with people in the same situation. Also, in this way, the arts contribute in forming strong, united and supportive groups.

Working Group 2.2

¨      Virtual social networks

• Initiator: Marlon Barrios

Coreógrafo, bailarín y artista new media venezolano radicado en Nueva York desde 1994, es el creador y productor de la Dance-tech Net, una de las más importantes redes sociales virtuales existentes en el mundo de las artes del movimiento.

Contemporary society develops into social networks according to the tastes and affinities of the people in them and, often, independent of the countries and community of origin. New digital tools have become involved in this process and they are not insignificant to spectators, artistic centres or creators. Today these tools are the key to communication and the participation of all involved in the art of dance.

Working Group 2.3

¨      Street cultures

• Initiator: Jordi Claramonte

Doctor en filosofía por la UNED, ha combinado su trabajo como investigador en el área de la Estética y la Teoría de las Artes con frecuentes incursiones en el terreno del arte más contextualizado en términos sociales y políticos

The creativity borne from the aspirations of groups or communities, is a true reflection of these groups and aims to imaginatively express it’s feelings, dreams, and realities. It is manifested in order to be enjoyed by the majority of the population and it looks for new spaces for more effective proximity. Normally these movements are outside of the   mainstream artistic circuits, they innovate the artistic reality of the moment and are an echo of what we call “street culture”. This culture is derived from movements that can only happen in the street and public spaces and from the need of small groups to express themselves.

THE ACTIVE SPECTATOR

Under the generic title of “The Active Spectator”, the third edition of mov-s aims to delve into the reality of today’s audience. The relationship between actor and spectator can be enriched through the transformation from a passive spectator to an active spectator, who is the protagonist in their relationship with the artist. Considering the spectator as being intimately involved with the artist’s work is a path relatively little explored by the arts, in particular the dance and movement arts, and is a way for a large number of people to be involved in artistic creation.

The characteristics that turn people into active spectators, capable of recognising, and, at the same time, valuing contemporary performing arts creations, are knowledge of, and interaction with, the artists. Moreover, on numerous occasions, it is the creative activity of the spectator or his/her community, who are in fact the real authors of the artistic work. On the other hand one must bear in mind that nowadays participation doesn’t necessarily depend upon geographical distances or adhere to set times, due to networks and communities becoming more flexible, unusual in form, size and scope.

It is as important for heads of artistic centres, programmers or institutions, as it is for artists, to consider the presence and growth of the number of spectators as a priority. Unfortunately this is a task often condemned to failure when methods of developing audience numbers have been centred exclusively on classical marketing methods. Opting for a different type of relationship with the spectator, which can also be maintained in other disciplines within the performing arts, opens more new paths for investigation.

In order to gain further knowledge into the different areas regarding the “Active Spectator” national and international experts will be invited. Professionals will also be invited who, from their experience, stand out for their in-depth knowledge of the spectator and for having developed activities that bring the spectator closer to the artist. The guests will talk about their proposals in plenary sessions so that afterwards the “spectators” participating in mov-s will have their say in smaller groups.

Friday 11th June

Plenary session 1.-The spectator as an active individual

In the performing arts we often perceive the role of the spectator as a person sat in their seat, in the dark, attentively concentrating on the action that is taking place in front of them. This hasn’t always been the case, nor does it need to be. This session will be about another style of spectator, one that has the capacity to participate in the creative process and thoroughly evaluate the artist’s work. A spectator who becomes involved is part of the artistic event and uses his body and his mind in order to enrich it.

¨      Speaker: Suely Rolnik

Nacida en Brasil, psicoanalista y ensayista es profesora de psicología clínica en la Universidad católica de Sao Paolo en la que coordina el Nucleo de Estudios de la Subjetividad.

¨      Artist testimony

• Interviewer: Bojana Kunst

Bojana Kunst, nació en Maribor (13. 03. 1969) y reside en Ljubljana (Slovenia).  Profesora visitante de la Universidad de Hamburgo y profesora asistente de estudios de posgrado en la Universidad de Primorska.  Doctorada en 2002 por la Univerisdad de Ljubljana con una investigación titulada “Filosofía, Estética y Arte entre lo orgánico y lo tecnológico. Estética del cuerpo y el arte del posmodernismo”. Ha sido profesora invitada en las universidades de Giessen, Amsterdam y Hamburgo y ha participado también en el MACAPD (L’animal a l’esquena – Universidad de Girona). Es miembro del consejo editorial de las revistas Maska, Performance Research y Amfiteater. Su investigación se centra en danza contemporánea y estudios escénicos, filosofía y teoría del cuerpo, y nuevos medios artísticos, con una aproximación interdisciplinar. En los últimos años se ha interesado especialmente en reflexionar sobre procesos estéticos y sociales  en coreografía, artes escénicas y dramaturgia.

• Artist: Olga de Soto

Coreógrafa y bailarina española (Valencia, 1970). Establecida en Bruselas en 1995 fundó su propia compañía Abaroa y ha sido coreógrafa residente de la Raffinerie de Charleroi/Danses de Bruxelles.

The plenary session “The active spectator” will be divided into three work groups who will tackle the following themes:

Working Group 1.1

¨      Collaboration practices

• Initiator: Roger Bernat

Autor y director teatral (Barcelona, 1968), estudió Dirección y Dramaturgia en el Institut de Teatre de Barcelona. En 1997 fundó la compañía General Eléctrica. Es editor, junto con Ignasi Duarte, del libro Querido público en el que diversos estudiosos analizan y reflexionan sobre la participación del público como parte integrante de la obra artística.

There is an inherent creative capacity within all human beings. Some more developed than others and some more talented than others, but most are perfectly capable of collaborating with other people (artists and non artists) in a creative process. The spectator, the artist and the project can be enriched through this exchange.

Working Group 1.2

¨      Processes of empowerment

• Initiator: Suely Rolnik

Creating a “knowlegeable” spectator, who perceives the show with a critical eye, capable of understanding, recognising and evaluating other models or systems, will be the objective of this debate. Approaching the artistic work from a position of knowledge allows the spectator not only to admire the work but also to advance with the artist along the path of innovation which the piece of art requires.

Working Group 1.3

¨      Mass choreographies

• Initiator: Gabriel Smets

Director artístico de SNDO (School for new dance development) de Amsterdam. Como dramaturgo ha trabajado con artistas tan variados como  la compañía de teatro holandesa Parayse d’amour, el coreógrafo español Pere Faura y la artista-performance Marina Abramovic. En 2008 fue director artístico del festival Springdance de Utrecht

Maybe it has been advertising (or fashion) that has focused attention on choreographies of large groups of people. These days dancing in a group is simply a normal leisure or celebrational activity. The spectator has a body as well as knowledge and therefore can also dance. Already there is very little distance in between here and being connected to an artistic creation.

La internacionalización de la cultura

Reportaje sobre mov-s dentro del programa «La internacionalización de la cultura» en el Canal Cultura de RTVE.