Several thoughts on active spectator

10 junio, 2010 by

By Bojana Kunst. She is currently Visiting Professor at The University of Hamburg.

Bojana Kunst will be in mov-s/madrid in the Plenary Session on Friday 11th of June at 10:00h in Museo Reina Sofía


What is wrong with that this sensual and topographical image which comes to our mind when thinking about spectator, the image which is also under ‘critical’ consideration in this conference? The spectator is one who seats in the darkness, with her / his body adjusted to his / her chair, together with others seating and watching. She or he is the one who seems to be accused of passivity, of ‘merely’ watching, as the one who only receive without any feedback, the one who is not creative and imaginative, who is comfortable, on the border of sleeping, sometimes disinterested, many times bored. There is a strong desire to awaken the spectator, raise her or him out of the chair, out of the darkness and to the light, make her or him active, out of disengaged mode to the engaged one, to enable him that he can actively participate in the construction and meaning of performance with all his senses, not merely watching.


However this almost to perfect proportion between seating (on the surface silent and still) passivity and participatory activity (on the surface loud and moving) activity, proportion between two topographical and sensual propositions about the position of the spectator makes me deeply suspicious. I would agree on that place with Ranciere that this proportion is based on the wrong set of oppositions and equivalences, where looking is something which is opposed to knowing, passivity to activity, appearance to reality. »Why to identify the act of seating with passivity if not presupposing the radical gap between activity and inactivity? « If we activate the spectator, metaphorically speaking – if the spectator is raised from his/her chair – do we really radically change the ways how the capabilities are distributed, do we change the relationships between the ones who are capable to be active and the ones who are not? It seems that activation of the spectator has not so much to do with the liberation of other senses and condemnation of ‘merely’ watching,  but with an awareness that the dispositive of our artistic practice is grounded on equality of intelligences, on radical practice of potentiality. Instead of contempt or patronizing relation to the spectator, it is necessary to understand the spectator as subject of independent thought, memories, emotions and affections.


Therefore I would propose differentiation between active spectator and participatory spectator, or to put it differently: between activation of the practice of spectatorship and active participation of the spectator. What do I mean with that?

Nowadays it seems that activation lies in the possibility to awaken, emancipate somebody and give him responsibility for the meaning. However very rarely the position from which somebody is awakening the other (who is merely watching) is being stressed and analysed. The problem is not only in the fact that this position is very often a hierarchical position of the one who knows, who has the capacity in the relation to the other who doesn’t, but also that call for participation is very synchronous with the political and social reality in which we live. The participation of the spectator, her or his taking part in the relations and procedures of artistic work, is in a synchronous relation with problematic exhaustion of contemporary political procedures: don’t we live today in the world where the main threat is, as Žižek puts it,  ‘psevdoactivity’ not passivity? We are all the time participating, doing something, isn’t contemporary politics a kind of necessity that you have to be all the time active and participate? Isn’t active participation in this sense tuned with the neoliberal transformation of society, where we have to invest with all our bodies and desires, with participation we have to transform ourselves as viewers? The paradox is that in contemporary society forms of social solidarity are more and more under threat, destructed, but at the same time we are continuously participating and reproducing social relations in art, participation somehow becomes a skill in sociability, which as, Maja Breznik writes,  is gradually replacing society.

When taking the responsibility on ourselves, when participating (just seating is bad, you have to exercise), aren’t we then perfectly tuned with the appropriation of our activity and creativity as subjects from contemporary economy: doesn’t the ones who govern paradoxically rather see participation in then silence?


However there is something different at work when we talk about activation of the practice of spectatorship: this can be understood as practice of equality and independence, negotiation, observation, affective modulation, interpretation and misunderstanding, memorizing and forgetting, dealing with complexity of meaning and exhaustion of it, dealing with the constant negotiation between individual modulations and intellectual, discursive and affective negotiation of antagonistic togetherness. In that sense it is also very close to the modus of working in performance. That’s why collaboration becomes an important issue: not because it is another fashionable procedure but because it can really change the quality of our equal and independent relations and at the same time really influence the way how the performance is constructed. So active participation doesn’t necessarily mean empowerment. It can also disempower the subject, disconnect him or her from the sensorial complexity, embodied rhythms, manipulating the affective modulations and time he or she needs for thinking, observing, experiencing. Activity of spectatorship is namely always an antagonistic practice, sometimes with unease, difficulties and discomfort. So being active in the sense of empowerment, being a spectator as active individual means to constantly negotiate and practice ungraspable differences through which we exist together as equals.

Bojana Kunst was born in Maribor (13.03.69) and lives in Ljubljana (Slovenia). She is Assistant Professor of post graduate studies at The University of Primorska. She is currently Visiting Professor at The University of Hamburg. She received a PHD in 2002 at The University of Ljubljana with the research study entitled “Philosophy, Aesthetics and Art between the organic and the technological. Aesthetics of the body and art of the postmodern era. She was Guest Professor at The University of Giessen, Amsterdam and Hamburg and participated at MACAPD (L’animal a l’esquena – University of Gerona). She is member of the editorial board of the magazines Maska, Performance Research and Amfiteater.



9 junio, 2010 by

Sábado 12 de junio / domingo 13 de junio, 22:00h. La Casa Encendida

Saturday 12th of June/ Sunday 13th of June 22.00h. La Casa Encendida

Programación Paralela de La Casa Encendida

Kratimosha es… un graffiti escrito en el casco de un trasatlántico; buena suerte en chino; una película muda; un caballo de carreras; el nombre artístico de una striper; un tatuaje en su hombro; la contraseña de mi correo electrónico.

Es una partitura músico-visual, que se despliega en varias direcciones y se recoge sobre si misma, y sobre mi misma. Es frívola porque es jugar por jugar, y es profunda por la misma razón. Es hacer y rehacer la acción, escribir y rescribir. Es una obrita de teatro con una mujer en bragas, una voz en off, un retrato de familia ficticio, un difunto, un montón de ruiditos copiados de la realidad, una serie de parejas a punto de enamorarse o apunto de romper, y un final que se parece al principio, pero no en la forma, sino en la mofra.

Kratimosha is… graffiti scrawled on the hull of an ocean liner; good luck in Chinese; a silent film; a racehorse; a stripper’s stage name; a tattoo on her shoulder; my email password…

It’s a musical-visual piece that unfurls in several directions and gathers itself up, gathers me up. It’s frivolous because it’s playing for the sake of playing yet it’s also profound for the same reason. It’s about doing and redoing action, writing and rewriting. It’s a mini-play with a woman in knickers, a voice offstage, a portrait of a fictitious family, a deceased person, a load of noises from everyday reality, a series of couples about to fall in love or split up, and an ending that looks like the start, only not in its form but also in its mrof…

Amalia Fernández es bailarina-performer, miembro fundadora de la Cia. “El Bailadero, Monica Valenciano” en la que trabaja como intérprete y ayudante de dirección entre 1994 y 2005.

Continua su trayectoria profesional de forma independiente, con las piezas: Matrioshka 2005, Maya 2006, Sichimi Togarashi con Juan Domínguez, 2007 y Las Perras en colaboración con Lidia G. Zoilo y Vicente Arlandis, 2008. Continúa puntualmente colaborando como intérprete en trabajos de otros artistas, entre ellos, Odd Enginears, Gary Stevens, Karin Elmore. Se dedica a la enseñanza  desde 1996.

Amalia Fernández is a dancer-performer, founding member of the “El Bailadero, Monica Valenciano” company where she worked as a performer and assistant director 1994 and 2005. She continued her professional work independently with the pieces Matrioshka (2005), Maya (2006), Sichimi Togarashi with Juan Domínguez (2007), and Las Perras in collaboration with Lidia G. Zoilo and Vicente Arlandis (2008). She regularly performs in work by other artists, including Odd Engineers, Gary Stevens and Karin Elmore. She has taught since 1996.

“Catexis” Muriel Romero y Pablo Palacio

8 junio, 2010 by

Jueves 10 de Junio y Viernes 11 de Junio a las 22:00h. Casa Encendida

Thursday 10th of June/ Friday 11th of June 22.00h. La Casa Encendida

Programación Paralela de La Casa Encendida

Catexis se construye a partir de transformaciones digitales  de objetos fonéticos emitidos por el bailarín que, mediante la captura y análisis del movimiento en tempo real,  funcionan como una bio-extensión sonora de su movimiento corporal.  La actividad motora de los órganos del tracto vocal (úvula, paladar, lengua, laringe, dientes, etc) conforman una coreografía en miniatura que es  amplificada a través del movimiento dancístico y  transformaciones sonoras de los fonemas difundidas en una instalación de sonido octofónico.

Catexis is built out of digital transformations of phonetic objects emitted by a dancer who captures and analyses real-time movement as a sound bio-extension to his moving body. Motor activity in the vocal tract (uvula, palate, tongue, larynx, teeth, etc.) forms a mini-choreography which is amplified through dance movement and sound transformations of the phonemes emitted in an octophonic sound installation.

Pablo Palacio
Compositor y psicólogo. Su trabajo se centra en la transformación y la conexión perceptiva de las sucesivas imágenes sonoras sugeridas en el curso de una composición. Como compositor y divulgador colabora con Missouri State University, Universidad Alcalá de Henares, Muriel Romero,Palindrome Inter Media Performance Group, Compagnie Buissonnière-Lausanne, Ballett Mainz, o CCG.

Murel Romero
Bailarina y coreógrafa. Ha ganado varios premios internacionales (Premio de la Fundación de París, Premio nacional de danza, Moscow International Ballet Competition) y desarrollado una dilatada trayectoria en prestigiosas compañías (Deutsche Operhouse Berlin, Gran Théatre de Généve, etc) y trabajado con coreógrafos como W. Forsythe, G.Balanchine. Actualmente trabaja en una trilogía centrada en el análisis e interacción del gesto sonoro y gesto dancístico en espacios sonoros tridimensionales, de la cual Acusmatrix y Catexis componen la primera y segunda parte.

Pablo Palacio
Composer and psychologist. His work centres on the transformation and perceptive connection of successive sound images suggested over the course of a composition. As a composer and promoter, he works with Missouri State University, Universidad Alcalá de Henares, Muriel Romero, Palindrome Inter Media Performance Group, Compagnie Buissonnière Lausanne, Ballett Mainz and CCG.

Murel Romero
Dancer and choreographer. She has won several international awards (Paris Award Foundation, National Award of Dance, Moscow International Ballet Competition) and has considerable experience working with prestigious companies (Deutsche Oper Berlin, Gran Théâtre de Genève, etc.) and choreographers such as W Forsythe and G Balanchine. She is currently working on a trilogy centred on analysing and interacting with sound and dance gestures in 3D sound spaces; Acusmatrix and Catexis are the first and second part of this trilogy.


8 junio, 2010 by

Sábado 12 y domingo 13 de Junio. Teatro Fernán Gómez

Saturday 12th of June/ Sunday 13th June 20.30h. Teatro Fernán Gómez

Programación Paralela del Teatro Fernán Gómez

Esta producción supondrá la oportunidad de poder ofrecer una peculiar, original e innovadora fusión de dos compañías residentes de Madrid, con dos estilos y lenguajes tan distintos como complementarios, cada uno con su  valor artístico. Es así, un espectáculo concebido desde una voluntad seductora.

La Primavera y el Otoño corren a cargo de Manuel Segovia y se inspira en símbolos y costumbres ancestrales que contienen la esencia de “lo nuestro” y que expresan la singularidad de los ciclos vitales del ser humano.

La parte coreográfica del Verano y el Invierno serán realizadas por Daniela Merlo y Juan de Torres.

El tema girará en torno al tiempo. El curso de los acontecimientos sólo adquiere sentido si el tiempo mantiene su dirección invariable, si el antes y el después se suceden siempre y sin excepción. Se basa en la repetición, al invierno le sucederán la primavera y el verano, que dará paso al otoño, a su vez relevado por un nuevo invierno. Y así una y otra vez. Pero he aquí que necesitamos ambas formas de tiempo: dirección y ciclo. El ritmo capta el tiempo circular, lo interioriza, y de este modo puede fusionarlo con la flecha del tiempo que avanza sin parar.

This production offers the opportunity to show the unique, original and innovative fusion of two companies resident of Madrid with two different styles and languages whose artistic values complement each other. A show conceived from a seductive perspective. This production looks at the subject of the seasons. Spring and Autumn, by Manuel Segovia, are inspired by ancient symbols and customs containing the essence of our own lives and expressing the singularity of human life cycles. The choreography side to Summer and Winter will be designed by Daniela Merlo and Juan de Torres.

The subject centres on time. The course of events only makes sense if time maintains its invariable direction and before and after always happen without exception. It is based on repetition: winter is followed by spring and summer, which gives way to autumn and once again winter. Over and over again. However, we need two forms of time, linear and cyclical. The rhythm captures and interiorises cyclical time and fuses it with the arrow of time that marches ever onward.

“Tablaos, fiestas y saraos” ARRIERITOS DANZA

8 junio, 2010 by

Viernes 11 de Junio 20:00h y 21:00h. Plaza Colon

Friday, 11th of June 20:00h/ 21:00h. Plaza Colón

Programación Paralela del Ayuntamiento de Madrid – Proximidad Cultural

Un apasionante recorrido por los espectáculos creados por la compañía hasta el momento. Desde el emocionante paso a dos de “13 rosas” hasta la coreografía grupal de luces que se encienden y se apagan de “Todos los gatos son pardos”, la función nos lleva por la senda de evolución de la compañía  y nos hace partícipe de la personal y genuina forma de entender la danza de arrieritos.

This performance takes a lively look at the shows created by the company to date. From the stirring dance-for-two 13 rosas to the group choreography of lights that go on and off in Todos los gatos son pardos, the piece takes us along a path tracing the company’s evolution and involves us in Arrieritos’ personal and genuine vision of understanding dance.

Arrieritos, desde sus comienzos ha apostado por una línea de trabajo basada en el mestizaje de diferentes estilos musicales y coreográficos. La compañía nace en 1996 tras una propuesta del Teatro Pradillo para participar en el ciclo “La otra mirada del flamenco” y desde entonces ha estrenado 11 espectáculos y ha recibido varios premios entre los que se encuentran entre otros los Premios Max a la mejor coreografía y el mejor espectáculo de danza por “13 Rosas” en 2007.

Arrieritos es compañía residente del Ayuntamiento de Madrid en el distrito Fuencarral – El Pardo en el C.C. Montecarmelo.

Since its very beginnings, Arrieritos has pitched its work in the crossover between different styles of music and choreography. The company was set up in 1996 in response to an invitation by Teatro Pradillo to take part in the cycle La otra mirada del flamenco, and has since produced eleven shows and received several awards, including the Max Awards for best choreography and best show for “13 rosas in 2007.

Arrieritos is a resident company of Madrid City Council at the Montecarmelo Cultural Centre in the Fuencarral – El Pardo neighbourhood.

“Tras la cortina” SIEMPRE EN COMPAÑÍA

8 junio, 2010 by

Jueves 10 de Junio y Viernes 11 de Junio a las 20:30h. Teatro Fernan Gómez

Thursday 10th of June/Friday 11th of June 20.30h Teatro Fernán Gómez

Programación Paralela del Teatro Fernán Gómez

En un claro homenaje a la mujer, con una sucesión de pequeñas historias, mostramos la vida íntima de mujeres atrapadas y/o acomodadas en su realidad particular, carceleras o prisioneras del hombre que eligieron para compartir su vida. Sin pretender aportar soluciones, ni mucho menos juzgarlas, nos asomamos tímidamente tras sus cortinas para mostrar lo que ellas no se atreven a contar. Historias de amor o desamor según quien las mire, ya que ¿no será que cada uno elige lo que quiere vivir y como vivirlo? ¿No será culpa nuestra si el camino no lleva a ningún sitio? ¿No será que soñar es más fácil que vivir? ¿No será que ser feliz supone mucho esfuerzo y mucho miedo? En el fondo siempre hemos sabido cual es el camino. Solo necesitamos el valor para crearlo huella a huella, para querer vivirlo paso a paso.

In a clear tribute to women, through a succession of small-scale stories we show the intimate lives of women trapped and/or comfortable in their individual lives, jailers or prisoners of the man they chose to share their life with. Without attempting to offer any solutions or judge these women, we take a peek behind their curtains to show what they dare not tell. Requited or unrequited love stories, depending on who is telling them – after all isn’t it true that we all choose what we want to live and how to live it? Isn’t dreaming easier than living? Isn’t it the case that being happy requires a lot of effort and a lot of fear? Deep down, we’ve always known what the path is. We just need the strength to create it footprint by footprint to live it step by step.

Gestada en 2003, consolidada en 2005, subvencionada en 2007 por el Ministerio de Cultura y, desde 2006, Compañía Residente del Distrito de Chamartín; representada y dirigida por Gemma Morado, bailarina y coreógrafa, “Siempre en Compañía” es la respuesta a una irrefrenable inquietud por contar historias bailando. Hasta el día de hoy, con siete producciones propias en repertorio y dos en vísperas de estreno, la compañía sigue cosechando éxitos.


1º Premio de Coreografía (2003) XII Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid.

1º Premio de Coreografía (2006) II Certamen de Danza y Artes Escénicas ADAE.

Premio de Coreografía (2007) Maratón de Danza de Madrid.

Premio Mejor Intérprete (2007) Danza Contemporánea I Certamen de Coreografía e Interpretación de Danza Clásica, Española y Contemporánea de Sevilla.


2º Premio de Coreografía Solo (2009), XVIII edición del Certamen Coreográfico de Danza Española y Flamenco de Madrid.

1º  Premio Foto escena (2009), mismo certamen.

Set up in 2003, consolidated in 2005, subsidised in 2007 by the Ministry of Culture and since 2006 the resident company in the district of Chamartín; represented and directed by Gemma Morado, dancer and choreographer. Siempre en Compañía is the response to an unstoppable urge to tell stories through dance. The company has seven original productions under its belt and two about to be premiered, and it continues to win plaudits.

1st Prize Choreography (2003) 12th Choreography Contest for Spanish Dance and Flamenco in Madrid.

1st Prize Choreography (2006) 2nd ADAE Dance and Performing Arts Contest.

Choreography Prize (2007) Madrid Dance Marathon.
Best Performer Award (2007) Contemporary Dance and Choreography and Performance of Classical, Spanish and Contemporary Dance Contest in Seville.

2nd Prize Choreography Solo (2009) 18th Spanish Dance and Flamenco Contest in Madrid.
1st Prize Stage Photo (2009) 18th Spanish Dance and Flamenco Contest in Madrid.


8 junio, 2010 by

Por Xavier Duacastilla.

Xavier Duacastilla es “Community Manager” de la Red Social de Danza Integrada y estará en mov-s/madrid junto a Jordi Cortes presentando la Red el viernes 11 de junuio a las 16:00h en la sesión de Presentación de Proyectos.

Texto del Power Point de presentación.


2. La Red de Danza Integrada es un espacio destinado a interconectar todas las personas interesadas en este tipo de danza, para que todas las personas se muevan como se muevan y bailen como bailen lo hagan dando a conocer sus inquietudes, cursos, talleres, espectáculos al resto de interesados.

Internet nos facilita esta tarea a todos los miembros con sus recursos y por ello creé esta web.

3. La idea surgió cuando asistí al taller del grupo CANDOCO (Reino Unido) que se hizo en el “Institut del Teatre” de Barcelona…

4. 5. 6. …pero el impulso para crear la web de la Red sucedió tras mi asistencia al taller “Danzar con la diferencia” en enero de 2010 que organizó Jordi Cortés de Alta Ralitat y que dirigió magistralmente Marisa Brugaroles del ya desaparecido colectivo ruedapies de Múrcia. La experiencia y la gente tan maravillosa que conocí hizo que no quisiera perderles el contacto.

7. Busqué en Internet información sobre la danza integrada en España con la sorpresa que apenas no había presencia de ella en la red, entonces pensé que era una pena que no hubiese nada para mantenernos informados y me puse manos a la obra para crear una red social, busqué las opciones que había gratis en ese momento y
8. di con NING, dicha plataforma permitía crear gratis registro de usuarios, calendario de eventos, blog foro, chat… pero duramos poco en NING

9. y he tenido que migrar a GROU.PS

10. La red de danza integrada atiende tanto a profesionales de la danza como a todo tipo de personas con y sin discapacidad que deseen practicar la danza sin límites de capacidades motrices o sensoriales, …

11. …no se trata de un grupo de difusión de talleres de danza solo para discapacitados como otros que hay, nos parece muy bien que existan pero la danza integrada crea un equilibrio natural entre fuerzas y capacidades entre personas con distintas posibilidades.

12. Internet en la actualidad es la plataforma ideal para buscar lo que cada uno necesita, nuestra presencia en Internet facilita dicha labor, quien entra en nuestra red social puede leer las publicaciones,

14. las imágenes de los talleres,
15. enterarse de los próximos eventos, etc.
16. Registrarse como miembro da la oportunidad de contactar con otras personas con los mismos intereses chateando, interviniendo en el foro, comentando los post del blog y recibiendo los mensajes y anuncios compartidos a toda la red… ya somos mas de 100 y esperamos ser muchos más.

17. La danza integrada está en fase incipiente en nuestro país, por el momento hay poco “movimiento” en nuestra web, aunque ya ha tenido algún fruto como el taller de Granollers (Cataluña) creado por Patricia Carmona compañera de los talleres y amiga nuestra. Ha salido algún proyecto de creación de alguna video-danza y alguna otra intervención más.
18. Los problemas de nuestra red han radicado fundamentalmente en que hemos tenido que migrar de NING porque esta plataforma ha obligado a las que han sido creadas gratuitamente, a pasar a modo de pago antes del mes de Julio, quise hacerla independiente de Facebook y en principio NING era ideal pero hemos durado poco allí.

19. He pasado un tiempo investigando las otras posibilidades que ofrece internet,  he visitado ,  …
21. y de todas ellas la que más se parece a ning y que me ha ofrecido más herramientas de migración ha sido GROU.PS con la cual he podido crear .

22. He podido trasladar a todos los miembros fácilmente de una red a otra …
23. pero ahora la labor que tengo es incorporar todo lo que tenía en ning a la nueva web, tarea ardua y laboriosa, además me he tenido que poner a traducir parte de la programación desde el panel de administración pues todavía está en fase beta y el idioma Español casi brilla por su ausencia.

24. Ya estamos bien situados en los buscadores, con solo escribir DANZA INTEGRADA ESPAÑA salimos los primeros con la de ning en primer lugar, …
25. al entrar en ella he colocado un aviso de nuestra migración a

26. En mi nueva versión de la red no he querido abarcar solo España y lo he ampliado a todas las personas de habla hispana pues hay muchos más grupos y personas interesadas allí que aquí.
27. Espero que pronto seamos muchos y que la danza integrada se normalice como merece.

Ojalá que esta red sirva para que más gente se interese por esta danza.

Que los profesionales del arte piensen en la integración de las personas con diversidad funcional y sensorial en sus espectáculos.

Esperemos que los estamentos públicos no nos ignoren y nos ayuden continuar, capacidades todos tenemos.

Solo hay que unirse para encontrar el equilibrio entre los que disfrutan de perfecta movilidad y los que no la tenemos toda, para así crear arte juntos.

Os esperamos en


4 junio, 2010 by

Sábado 12 de Junio, 18:30h. Circulo de Bellas Artes

Saturday 12th of June, 18.30h. Circulo de Bellas Artes

Borrón#8 consiste en la construcción de una pieza de danza que tiene como base los requerimientos de una orden de ayudas o subvención. Argumentando la no existencia de un espectáculo con el que justificar el dinero recibido y la necesidad del mismo, los miembros de la compañía construyen en escena, con la cooperación de los espectadores, que acaban siendo documentalmente los propios autores,  todos los documentos (fotografías, video, dossier, publicidad, crítica…) de una obra que previamente no existía. Una de-construcción de lo que un espectáculo significa en cuanto a documentación se refiere, la construcción de lo que un espectáculo significa para la institución.

Borrón#8 involves building a dance piece based on the requirements of support or subsidy. Arguing the nonexistence of a show to justify the money received and the need for it, the members of the company create scenes in cooperation with the audience, who become the authors themselves of all the documents (photographs, video, dossier, advertising, reviews) of a work that previously didn’t exist. A deconstruction of what a show means in terms of documentation, and a construction of what a show means for an institution.

LOSQUEQUEDAN surge en el año 2001 de la mano de Sandra Gómez y Vicente Arlandis en Valencia. Licenciados por la Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia, Máster en Producción Artística por la facultad de Bellas Artes de Valencia y con una amplia formación en danza contemporánea y creación coreográfica con diferentes profesionales europeos. Sus trabajos tanto en formato vídeo como escénico responden a una apuesta personal y a una trayectoria artística relacionada con la investigación de los lenguajes de la escena contemporánea.

LOSQUEQUEDAN was set up in 2001 by Sandra Gómez and Vicente Arlandis in Valencia. Graduates from the Escuela Superior de Arte Dramático in Valencia, with a Master’s degree in artistic production from the School of Fine Art in Valencia, they have extensive experience in contemporary dance and choreographic creation with different European professionals. Their work on both video and stage is driven by a person interest in researching the many languages of the contemporary stage.

“Equilibrio” CÍA. DANIEL ABREU

4 junio, 2010 by

Sábado 12 de Junio – 17:00h y 20:00h. Museo Reina Sofía

Saturday 12th of June – 17.00h and 20:00h. Museo Reina Sofía

Para ver vídeo, aquí // Look at the video here.

En un vaivén entre el discurso coreográfico y el teatral, se presentan personas que hablan de las necesidades de afecto, de la necesidad de ser importante, de lo que les supone estar solos o acompañados, de ofuscarse en lugares concretos, y de no parar de verlos todos, el que ríe y el que vive en el horror… Enmarcado en un plano completamente estético y contado por mujeres, la obra muestra fotografías de lo que somos capaces de hacer por sentirnos en paz, tranquilos y en equilibrio.

It’s a crisscross between choreography and drama that presents people talking about their need for affection, the need to be important, what it means to be alone or accompanied, being bewildered in specific places, of not seeing them all, people smiling and people living in terror… Framed by an aesthetic setting and told entirely by women, the work shows photographs of what we are capable of doing to feel at peace, calm and balanced.

La compañía, fundada en el año 2004, tiene en su repertorio más de 20 trabajos de direrentes formatos y para distintos espacios. Los trabajos dirigidos por Daniel Abreu, han sido presentados en Dinamarca, Polonia, Portugal, España y Brasil, entre muchos otros. En el año 2009 la Cuarta Pared dedica una retrospectiva a la trayectoria de la compañía.

Set up in 2004, the company has made over twenty pieces in different formats and different spaces. Work directed by Daniel Abreu has been presented in Denmark, Poland, Portugal, Spain and Brazil, amongst others. In 2009 La Cuarta Pared made a retrospective on the company’s work.


4 junio, 2010 by

Viernes 11 de Junio, 22.00h, Matadero Madrid

Friday 11th of June, 22.00h. Matadero Madrid

ABOUT LOVE es un compendio de cuatro espectáculos ideados para diferentes formatos de espectador, una tetralogía con el mismo leitmotiv: el AMOR TOTAL.

El amor es un tema amplio, universal y que ha sido infinidad de veces interpretado, representado y analizado, pero al decir AMOR TOTAL, hablamos del amor omnipresente que respiramos en el ambiente, de la estética mediatizada del amor, de un amor fresco y de consumo rápido, de un amor cliché y fantasma, de las pequeñas dosis de píldoras que consumimos diaria y cotidianamente: una balada heavy, una telenovela, publicidad de una agencia de contactos, una revista rosa, un docu­mental sobre el apareamiento de los pájaros, la emisora de radio emitiendo los punteos de la guitarra de Carlos Santana, la website oficial de un famoso donde chateas con tu ídolo…

ABOUT LOVE is a compendium of four shows designed for different spectator formats, a tetralogy with the same leitmotiv: TOTAL LOVE.

Love is a wide-ranging, universal subject that has been endlessly represented, performed and analysed, but by TOTAL LOVE we mean the omnipresent love we breathe in the environment, love’s aesthetics, a fresh, takeaway love, a clichéd, phantom love, the small doses of pills we take every day: a heavy ballad, a soap opera, adverts for a dating agency, a gossip magazine, a documentary on bird mating, a radio station broadcasting Carlos Santana’s plucked guitar strings, the official website of someone famous where you can chat online with your idol…

Iker Gómez comienza sus estudios en el País Vasco entre la Universidad de Bellas Artes y el estudio de Danza. Completa su formación con un posgraduado en el Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona donde pasa a formar parte de la compañía del Institut-ITDansa. Tras siete años desarrollando su carrera como bailarín profesional en teatros europeos como el Ballet Nacional de Suiza o el Regensurg Tanztheater, a finales del 2006, regresa a España y pasa a formar parte de AREAtangent, plataforma de creadores con sede en Cataluña donde encuentra el apoyo y sustento logístico para poder continuar su carrera y trabajo como coreógrafo emergente formando su propia compañía. Desde entonces y gracias al apoyo de AREAtangent, Teatre Mercat de les Flors, Centro Coreográfico Galego y el Centro de Artes Escénicas de Terrassa, ha realizado dos piezas escénicas de larga duración: ABSURDO y LA DANZA DEL CISNE.  Ambas piezas han sido seleccionadas en años consecutivos para el Circuito de Danza de la Red de Teatros Alternativos. APPLE GHOST y APPLE SALE son piezas creadas y producidas con el equipo de DANZAlab del Auditorio de Tenerife.

Iker Gómez started his education in the Basque Country at the University of Fine Art and dance studio. He finished his education with a postgraduate course at the Diputació de Barcelona’s Institut del Teatre, where he joined the company ITDansa. After seven years working as a professional dancer in European theatres, such as the National Ballet in Switzerland and the Regensurg Tanztheater, at the end of 2006 he returned to Spain and joined AREAtangent, a platform of creators based in Catalonia, where he found the support and logistical support to continue his career and work as an up-and–coming choreographer by setting up his own company. Thanks to the support from AREAtangent, Teatre Mercat de les Flors, Centro Coreográfico Galego and Centro de Artes Escénicas de Terrassa, he has
since created two major stage shows: ABSURDO and LA DANZA DEL CISNE. Both pieces were selected in consecutive years for the Dance Circuit for the Alternative Theatres Network. APPLE GHOST and APPLE SALE are pieces created and produced with the DANZAlab team at the Auditorio de Tenerife.