RED SOCIAL DE DANZA INTEGRADA

Por Xavier Duacastilla.

Xavier Duacastilla es “Community Manager” de la Red Social de Danza Integrada y estará en mov-s/madrid junto a Jordi Cortes presentando la Red el viernes 11 de junuio a las 16:00h en la sesión de Presentación de Proyectos.

Texto del Power Point de presentación.

1. RED SOCIAL DE DANZA INTEGRADA

http://danzaintegrada.grou.ps

2. La Red de Danza Integrada es un espacio destinado a interconectar todas las personas interesadas en este tipo de danza, para que todas las personas se muevan como se muevan y bailen como bailen lo hagan dando a conocer sus inquietudes, cursos, talleres, espectáculos al resto de interesados.

Internet nos facilita esta tarea a todos los miembros con sus recursos y por ello creé esta web.

3. La idea surgió cuando asistí al taller del grupo CANDOCO (Reino Unido) que se hizo en el “Institut del Teatre” de Barcelona…

4. 5. 6. …pero el impulso para crear la web de la Red sucedió tras mi asistencia al taller «Danzar con la diferencia» en enero de 2010 que organizó Jordi Cortés de Alta Ralitat y que dirigió magistralmente Marisa Brugaroles del ya desaparecido colectivo ruedapies de Múrcia. La experiencia y la gente tan maravillosa que conocí hizo que no quisiera perderles el contacto.

7. Busqué en Internet información sobre la danza integrada en España con la sorpresa que apenas no había presencia de ella en la red, entonces pensé que era una pena que no hubiese nada para mantenernos informados y me puse manos a la obra para crear una red social, busqué las opciones que había gratis en ese momento y
8. di con NING, dicha plataforma permitía crear gratis registro de usuarios, calendario de eventos, blog foro, chat… pero duramos poco en NING

9. y he tenido que migrar a GROU.PS

10. La red de danza integrada atiende tanto a profesionales de la danza como a todo tipo de personas con y sin discapacidad que deseen practicar la danza sin límites de capacidades motrices o sensoriales, …

11. …no se trata de un grupo de difusión de talleres de danza solo para discapacitados como otros que hay, nos parece muy bien que existan pero la danza integrada crea un equilibrio natural entre fuerzas y capacidades entre personas con distintas posibilidades.

12. Internet en la actualidad es la plataforma ideal para buscar lo que cada uno necesita, nuestra presencia en Internet facilita dicha labor, quien entra en nuestra red social puede leer las publicaciones,

14. las imágenes de los talleres,
15. enterarse de los próximos eventos, etc.
16. Registrarse como miembro da la oportunidad de contactar con otras personas con los mismos intereses chateando, interviniendo en el foro, comentando los post del blog y recibiendo los mensajes y anuncios compartidos a toda la red… ya somos mas de 100 y esperamos ser muchos más.

17. La danza integrada está en fase incipiente en nuestro país, por el momento hay poco «movimiento» en nuestra web, aunque ya ha tenido algún fruto como el taller de Granollers (Cataluña) creado por Patricia Carmona compañera de los talleres y amiga nuestra. Ha salido algún proyecto de creación de alguna video-danza y alguna otra intervención más.
18. Los problemas de nuestra red han radicado fundamentalmente en que hemos tenido que migrar de NING porque esta plataforma ha obligado a las que han sido creadas gratuitamente, a pasar a modo de pago antes del mes de Julio, quise hacerla independiente de Facebook y en principio NING era ideal pero hemos durado poco allí.

19. He pasado un tiempo investigando las otras posibilidades que ofrece internet,  he visitado http://bligoo.es/ ,  …
20. http://www.drupalgardens.com/ …
21. y de todas ellas la que más se parece a ning y que me ha ofrecido más herramientas de migración ha sido GROU.PS con la cual he podido crear http://grou.ps/danzaintegrada/ .

22. He podido trasladar a todos los miembros fácilmente de una red a otra …
23. pero ahora la labor que tengo es incorporar todo lo que tenía en ning a la nueva web, tarea ardua y laboriosa, además me he tenido que poner a traducir parte de la programación desde el panel de administración pues grou.ps todavía está en fase beta y el idioma Español casi brilla por su ausencia.

24. Ya estamos bien situados en los buscadores, con solo escribir DANZA INTEGRADA ESPAÑA salimos los primeros con la de ning en primer lugar, …
25. al entrar en ella he colocado un aviso de nuestra migración a grou.ps.

26. En mi nueva versión de la red no he querido abarcar solo España y lo he ampliado a todas las personas de habla hispana pues hay muchos más grupos y personas interesadas allí que aquí.
27. Espero que pronto seamos muchos y que la danza integrada se normalice como merece.

Ojalá que esta red sirva para que más gente se interese por esta danza.

Que los profesionales del arte piensen en la integración de las personas con diversidad funcional y sensorial en sus espectáculos.

Esperemos que los estamentos públicos no nos ignoren y nos ayuden continuar, capacidades todos tenemos.

Solo hay que unirse para encontrar el equilibrio entre los que disfrutan de perfecta movilidad y los que no la tenemos toda, para así crear arte juntos.

Os esperamos en http://danzaintegrada.grou.ps

Movilidad híbrida: movimientos sociales en red en los espacios de circulación aumentada del conocimiento

Texto introductorio para el grupo de trabajo “Redes sociales virtuales”, por Marlon Barrios Solano.

Marlon Barrios Solano es el impulsor y moderador de este grupo de trabajo. Venezolano residente en Nueva York, se dedica a la producción experimental on-line, es investigador y profesor. Es el creador y productor de dance-tech.net (red social on-line), dance-techTV (un canal de video colaborativo on-line) y de la serie de entrevistas dance-tech.net, que exploran la innovación y la interdisciplinariedad en el movimiento.

El desarrollo tecnológico de Internet y del entorno web de los últimos cinco años ha permitido la materialización de nuevas formas de comunicación y de prácticas culturales emergentes. Estoy convencido de que la nueva Internet, la web 2.0, con su eclosión de medios sociales, está revelando una vez más el obvio carácter relacional, sistemático y distributivo de todo proceso humano y de toda producción cultural.

Los seres humanos han vivido y prosperado siempre organizados en redes sociales. Hemos navegado por corrientes de conocimiento a través del tiempo y del espacio con la ayuda de todo tipo de herramientas y hemos experimentado la constante necesidad de desarrollar instrumentos de comunicación con el fin de registrar experiencias y coordinar acciones. El nuevo entorno web representa la convergencia de muchas arquitecturas de telecomunicación interactiva y computación que sirven como plataforma para nuevas formas de compartir información y conocimiento y facilitan oportunidades para el diálogo, fomentando la colaboración y la acción colectiva. Datos, información, conocimiento y cuerpos interconectados han situado lo “social” en un “espacio” disociado de la geografía, eliminando simples y estáticas nociones tales como presencia, movilidad, autoría y creatividad. Ya sostuve que las estructuras organizadas digitalmente en red son a la vez sistemas cognitivos socialmente aumentados y sistemas sociales cognitivamente aumentados. En la nueva Internet, las acciones sociales son de participación mediada y resultan en “lugares” de intercambio. El intercambio crea el lugar.

Estos espacios están poblados por criaturas híbridas, mezcla de usuario, público, espectador, concurrente, consumidor, productor, diseñador, editor, cliente y artista. Las prácticas artísticas del movimiento, las organizaciones y los profesionales están usando estos espacios para generar y distribuir conocimiento, para los procesos de colaboración mediada, como nuevos espacios performativos y como herramientas de marketing (para desarrollar públicos) para espacios y festivales. En esta sesión investigaremos las oportunidades específicas y los retos que se presentan para las artes del movimiento y sus industrias culturales.

CV Marlon Barrios Solano

Marlon Barrios Solano es venezolano residente en Nueva York. Se dedica a la producción experimental on-line, es investigador y profesor. Su experiencia mezcla danza, ciencias cognitivas y tecnologías interactivas, e investiga la intersección de la acción del movimiento con las nuevas tecnologías de la información y el uso de las plataformas on-line para la colaboración creativa, la circulación del conocimiento y la innovación social en las comunidades y los contextos translocales.

Es el creador y productor de dance-tech.net (red social on-line), dance-techTV (un canal de video colaborativo on-line) y de la serie de entrevistas dance-tech.net, que exploran la innovación y la interdisciplinariedad en el movimiento.

Ha sido conferenciante invitado y ha impartido workshops, además de ser investigador en residencia, consultor y medio colaborador para diversas organizaciones en Estados Unidos, Europa, Sudamérica, Oriente Medio y el Norte de África.

En Estados Unidos ha bailado, entre otros, para los coreógrafos Susan Marshal, Lynn Shapiro, Bill Young, Dean Moss y Merian Soto, y los músicos John Zorn, Eric Friedlander y Philip Grass.

Imparte un máster en Danza y Tecnología (tecnología digital en tiempo real, rendimiento de la improvisación y la cognición) en la Ohio State University de Estados Unidos.

“Procesos de Empoderamiento”

Texto introductorio para el Grupo de Trabajo “Procesos de Empoderamiento” por Suely Rolnik

Suely Rolnik es psicoanalista, investigadora y curadora. Vive en São Paulo, donde es Profesora Titular de la Pontifícia Universidad Católica/ PUC SP.

Grupo de trabajo

Procesos de empoderamiento

Propongo diez preguntas como disparadores de nuestro diálogo en el grupo de trabajo “Procesos de empoderamiento”.

La idea es que cada uno de nosotros busque sus respuestas, apoyándose en las resonancias de las mismas en la memoria de su cuerpo y sus experiencias actuales. Intentemos evitar el recurso protector de una retórica desencarnada, para que las distintas direcciones de respuestas a estas preguntas nos dejen hacer un real trabajo de elaboración colectiva.

1. ¿Por qué nos interesa pensar los procesos de empoderamiento, especialmente en el ámbito del arte?
2. ¿Qué relación existe (o no) entre el espectador como sujeto activo y el proceso de empoderamiento?
3. Si ése fuera el caso, ¿cómo describir un proceso de empoderamiento como efecto de una experiencia artística en la subjetividad del espectador?
4. ¿Es posible generalizarlo? ¿O el efecto de empoderamiento es producto de distintos procesos y se presenta de distintas maneras?
5. ¿Qué prácticas artísticas podemos evocar como ejemplos de experiencias que activan procesos de empoderamiento?
6. ¿Qué tienen (o no) en común como para producir dicho efecto en la subjetividad del espectador?
7. ¿La palabra empoderamiento es adecuada para describir dicho efecto?
8. ¿Qué otras maneras de describir y nombrar este tipo de proceso nos acercan más a su naturaleza, o más precisamente, expanden su consistencia y los hacen más posibles?
9. ¿Qué puede el arte para favorecer tales procesos y su producción de un sujeto activo?
10. ¿Qué sucede con la noción de “espectador” de cara a ese tipo de experiencia? ¿Y la propia noción de “obra”? ¿Podríamos redefinirla en función de la potencia que tiene (o no) una propuesta artística para activar este tipo de proceso en su entorno?

CV Suely Rolnik

Suely Rolnik es psicoanalista, investigadora y curadora. Vive en São Paulo, donde es Profesora Titular de la Pontifícia Universidad Católica/ PUC SP (en el Posgrado en Psicología Clínica, donde ha creado el Núcleo de Estudios Transdisciplinarios de la Subjetividad). También es docente del Programa de Estudios Independientes (PEI) del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MacBa) y del Master Oficial en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual, Universidad Autónoma de Madrid y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía & Universidad Autónoma de Madrid.

De 1970 a 1979 estudió en Paris Sociología y Filosofía en la Universidad de Paris 8 (ex-Vincennes ), y Psicología en la Universidad de Paris 7.

Es autora, entre otros, de Micropolítica. Cartografías del deseo, en colaboración con Félix Guattari, publicado en cinco países (en castellano: en 2006 en España por Traficantes de Sueños y en Argentina por Tinta Limón). Es la creadora de un proyecto de activación de la memoria corporal de la obra de Lygia Clark y su contexto, en el marco del cual realizó 65 películas de entrevistas en Brasil, Francia, Inglaterra y EE.UU., cuyo producto es un archivo de 53 DVD’s.

El objeto de sus investigaciones son las políticas de subjetivación en la actualidad, en una perspectiva transdisciplinaria (clínica, filosófica, política y poética), y la invención de dispositivos de activación de la potencia poético-política.

Su producción tiene amplia circulación internacional; desde 2007, ha decidido concentrarse en Brasil y América Latina. En ese mismo momento, ha participado en la creación de la red de investigadores “Conceptualismos del Sur”, compuesta actualmente por 56 investigadores de toda la América Latina en colaboración con el MNCARS.

Movimiento.org y la Red Sudamericana de Danza

Natacha Melo, coordinadora de la red social “movimiento.org” y de la “Red Latinoamericana de Danza” estará en mov-s/madrid, en la sesión Presentación de Proyectos del viernes 11 de junio a las 16:00h.

Movimiento.org

Las redes sociales en Internet son espacios de intercambio dinámico con un sistema abierto en construcción permanente, que se va transformando con los aportes de cada miembro. Conectan personas y grupos con intereses comunes que se vinculan e interactúan. Las personas comparten información, colaboran en la creación de contenidos alimentando al colectivo, conforman comunidades que integran y relacionan diversidad de situaciones y contextos, siendo ésta su complejidad y fortaleza. El colectivo fortalece a las personas que lo conforman, trabajando en torno a la información generada por ellos mismos y posibilitando cambios que en lo individual presentarían gran dificultad.

La Web 2.0 se construye mediante módulos de información que pueden conectarse mediante interacción dinámica. Gracias a los feeds RSS (Really Simple Syndication), es posible suscribirse a fragmentos de información provenientes de diferentes fuentes y reunirlos en un solo espacio, facilitando la comunicación entre aplicaciones y sistemas operativos, bases de datos, etc. Su arquitectura de participación permite mezclas y transformaciones. Aprovecha la inteligencia colectiva, enriqueciéndose a medida que más gente participa. Facilita la colaboración, el desarrollo de procesos descentralizados y la distribución de información.

Movimiento.org es una red social del tipo 2.0. Es una plataforma de encuentro dedicada a la danza y al pensamiento generado por la danza, creada en colaboración entre la Red Sudamericana de Danza e Idanca.net, portal digital brasilero de danza contemporánea.

Sus miembros pueden crear sus propios blogs, formar grupos de trabajo, subir fotos, textos, videos, eventos, proponer foros, conectar otras redes, conocer y chatear con otros miembros, formar sus grupos de contactos, enterarse de manera más fácil y directa todo lo que se está haciendo en la red. No necesitan intermediarios para publicar sus noticias y de esta participación depende la difusión de convocatorias, estrenos y muestras, talleres y otras actividades regionales. En un año y medio ha generado 3500 miembros y alta cantidad de información.

Movimiento.org creará MovimientoTV, canal de video en-línea que tendrá el objetivo de brindar una herramienta a la comunidad de artistas para investigar, crear y documentar en colaboración, dando visibilidad a los eventos e iniciativas de la danza sudamericana. Esta plataforma de transmisión ofrecerá un nuevo espacio performático, con gran potencial creativo y estético para los artistas. Mediante la realización de trasmisiones en vivo y diferidas producirá una programación que brindará un registro de material relevante para la danza latinoamericana dentro del contexto global. El canal se desarrollará en colaboración entre la RSD, Idança.net y Dance-tech.net y comenzará a funcionar en el segundo semestre del 2010.

Por último y en sinergia con estos espacios colaborativos la RSD realiza hace año y medio el proyecto Red en Movimiento, que promueve la capacitación en trabajo en red y en herramientas de Internet. Los talleres plantean una introducción accesible a la nueva Internet y la tecnología Web 2.0. a través de actividades teórico – prácticas, explorando el potencial de estas arquitecturas tecnológicas para el desarrollo de nuevos modelos de interacción, intercambio y colaboración. Los nuevos medios como generadores de cambios en la creación artística y la utilización de la web como prolongación de la creación propia. Se han realizado talleres en Argentina, Bolivia, Brasil y Uruguay, en el 2010 se realizarán en Paraguay, Ecuador y Colombia, sumando otras instancias en diversos eventos de danza latinoamericanos.

La RSD realiza estos programa con el apoyo de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo y del Instituto Humanista de Cooperación con los Países en Desarrollo, de Holanda. El proyecto www.idanca.net es patrocinado por Petrobrás de Brasil y la Fundación Príncipe Claus de Holanda.

Más información en www.movimiento.org

Red Sudamericana de Danza / RSD

La Red Sudamericana de Danza es una iniciativa de integración y colaboración entre diversos actores de la danza y la cultura pertenecientes a los países de América del Sur, con proyección internacional.

Su objetivo principal es contribuir al enriquecimiento de las relaciones latinoamericanas proyectando un espacio de intercambio y desarrollo, relacionando intereses y temáticas como arte y transformación social, tecnologías de la comunicación, educación artística, creación, producción y circulación de danza.

Favoreciendo sinergia, capacitaciones, circulación y sistematización de saberes, promoviendo herramientas, modalidades y espacios asociativos de trabajo, la red vincula nuevas formas de organización social con nuevas formas de desarrollo artístico y apoya una danza que investiga, en un contexto más amplio, nuevos sentidos en la cultura.

Ejes de trabajo, actividades y objetivos 2010 / 2012

1 / Articulación y colaboración regional

– con redes, asociaciones e instituciones de la región, con el objetivo específico de difundir políticas públicas, gestionar convenios, promover acciones conjuntas y coordinadas, potenciar recursos, confrontar estrategias y resultados

– entre todos los miembros de la red, a través de la participación en plataformas virtuales de intercambio como la red social Movimiento.org, el sitio web Rsd.org, y el canal web de video digital MovimientoTV en creación y desarrollo

2 / Capacitación del sector

– a través de talleres en formato presencial y virtual en tres temáticas prioritarias (nuevas herramientas de Internet al servicio del trabajo colaborativo, metodologías de trabajo en red, gestión y producción de la danza (Proyecto Red en Movimiento)

– en encuentros presenciales regionales de creadores y gestores culturales, con el objetivo de conocer las posibilidades de cada contexto, articular socios claves, fomentar nuevas relaciones, provocar movilidad, identificar y actualizar prácticas de creación y producción artística

– mediante la distribución de publicaciones anuales que documentarán el conocimiento generado por las experiencias de los grupos de trabajo y los proyectos regionales de la red

¿Cómo participar en la red?

Los miembros de la RSD se registran a través de la red social donde se relacionan y participan según sus necesidades e iniciativas, ya sea compartiendo información de sus actividades, proponiendo foros de discusión o articulando grupos de trabajo. En un compromiso mayor, los miembros participan de proyectos colectivos de la red (encuentros, talleres, publicaciones), apoyan el desarrollo de sus actividades, coordinan producciones locales o integran el Grupo de Gestión, que es el que articula los programas regionales y vela por el desarrollo de la red en su conjunto.

En la actualidad y luego de diez años de existencia, la red reúne a 3500 miembros de la región y comienza a sistematizar prácticas, apoyada además por el impulso y la popularización de las tecnologías de la información y el surgimiento de otras redes. La RSD cuenta con el apoyo del Instituto Humanista de Cooperación con los Países en Desarrollo de Holanda, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo – AECID, y numerosos fondos, instituciones, y organizaciones locales.

Más información: red@movimiento.org / www.movimiento.org

La participación del espectador en el trabajo de Granhøj Dans

Por Palle Granhøj. Palle es director artístico y coreógrafo de Granhøj Dans (Dinamarca) y estará en el mov-s/madrid en la sesión Presentación de Proyectos del viernes 11 de junio a las 16:00h.

La danza como expresión artística enfrenta actualmente en Dinamarca, un problema de fondo que exige un cambio radical en su estrategia de comunicación con respecto al público.
Los medios tradicionales de comunicación tales como la radio, la televisión y sobretodo la prensa escrita dedican cada vez menos espacio al arte y la cultura. Al mismo tiempo, no son más vías efectivas de contacto con el público de géneros artísticos no masivos como el teatro, la danza, la performance, etc.

A raíz de ello, la compañía de Danza Granhøj Dans ha puesto en marcha, con muy buenos resultados, una estrategia de comunicación, que lo ha llevado a prescindir totalmente de los canales habituales arriba mencionados. De esta manera los anuncios, la distribución de carteles y afiches, las notas de prensa, etc., no son más las vías por medio de las cuales la compañía intenta atraer al público. En su lugar, se vale de formas de comunicación directa y personal que en lugar de posibilitar la información solo en un sentido, abren al diálogo, basándose en el desarrollo de una relación de proximidad, confianza, respeto e interés recíproco.
El espectador ha tenido siempre un lugar central en los espectáculos de Granhøj Dans, que ha experimentado con maneras diversas posibilitar su participación activa en el espectáculo. Pero la compañía ha podido comprobar que al público de hoy no ya no le basta involucrarse en cierta medida en el espectáculo o ser simplemente testigo de un acto artístico dado, es decir servirse de un producto más de consumo, de alguna manera distanciado de su persona, sino que le interesa ser parte de un aspecto más sustancial del mismo, adentrarse en el trabajo del grupo, sentirse en mayor medida integrado, comprometido con el artista y el proceso de creación de la obra.  Por ello, la compañía dedica actualmente grandes esfuerzos para desarrollar una manera nueva, y cada vez más efectiva de envolver a su público en el trabajo, a todos los niveles posibles.

“Creando en la comunidad”

Texto introductorio para el grupo de trabajo “Creando en la comunidad”, por Cecilia Macfarlane.

Cecilia Macfarlane es la impulsora y moderadora de este grupo de trabajo. Fundó y dirige la Oxford Youth Dance, la DugOut Adult Community y la Crossover Intergenerational Dance Company, y cofundó y dirige la Oxford Youth Dance Company.

Resumen

La danza tiene el poder de establecer vínculos entre la calle y el escenario, entre la comunidad y el bailarín profesional. Si fomentamos la diferencia, la singularidad del individuo, podemos crear danza que sea por, para y de las personas.

Texto

La danza, aunque predominantemente sea una forma de arte silenciosa, tiene el potencial de comunicar con todo el mundo. Se sirve del cuerpo para ilustrar ideas y expresar emociones y creencias, para demostrar la diferencia y para inspirar tanto a bailarines como a público. Como forma de arte es al mismo tiempo accesible (en el sentido de que todo el mundo puede comprenderla puesto que no existe la barrera del lenguaje) e inaccesible (puesto que por lo general se entiende que ser bailarín es posible sólo para algunos elegidos). Resulta maravilloso observar a bailarines con una amplia formación, pero esto puede resultar alienante ya que el público se limita a ser únicamente “voyeur” del espectáculo, incapaz de conectar con aquello que ve como si fuera algo que se extrae de sí mismo; es un espectáculo. Aun así, la danza puede ser entendida también como inspiradora y animar al espectador a tomar conciencia de su cuerpo. Existe la posibilidad de que el espectador se convierta en el bailarín como resultado de la observación de la danza.

La danza en comunidad¹ ofrece a todo el mundo, con independencia de la edad, la apariencia o la habilidad, la oportunidad de bailar y descubrir el talento único de cada uno. El hecho de que cada persona sea diferente y se mueva de manera diferente debe ser ensalzado. Es esta participación en la danza en comunidad lo que conduce al bailarín motivado a asistir, quizá por primera vez, a una actuación. Este bailarín será capaz de reconocer y comprender qué se siente al bailar, cómo se crean las coreografías e, inmediatamente, adquirirá un lenguaje conectado con el acto de bailar. Existen nexos en este trabajo que unen al “bailarín en comunidad” a la actuación de danza profesional. A menudo, el grupo de danza en comunidad se presentará en teatros y festivales tanto locales como internacionales. Este hecho genera un nuevo vínculo hacia un nuevo grupo de espectadores que se reflejan en estos bailarines y se dan cuenta de que ellos pueden también pueden bailar si así lo desean. Estos grupos de danza compartirán escenario con bailarines profesionales, a veces como artistas invitados al inicio de la sesión, o bien como parte integrante del espectáculo. A veces, incluso, los profesionales y los bailarines en comunidad crean una pieza con un coreógrafo y actúan conjuntamente, en situación de igualdad. Otro vínculo se establece también cuando se invita espontáneamente al público a unirse al espectáculo; esto ocurre particularmente en actuaciones callejeras y espectáculos site-specific.

Con la comunicación a través de los medios electrónicos, nos volvemos cada vez más sedentarios, enfrentándonos al riesgo de no volver a comunicar físicamente, de olvidar cómo movernos. Me alegra el hecho de que, aunque la danza pueda existir electrónicamente es, fundamentalmente, un arte físico que necesita ser visto y experimentado en directo y que es esencial para una existencia completa y saludable.

Danza en comunidad: me refiero en este texto a la danza contemporánea y creativa en el seno de la comunidad. No toda la danza en la comunidad es inclusiva de edad, apariencia y diferencia.

Mini CV 2010

Cecilia Macfarlane se formó como profesora en la Royal Academy of Dance y como bailarina en la London School of Contemporary Dance. Vive en Oxford. Es bailarina independiente y goza de reconocimiento nacional e internacional por su trabajo en la comunidad. Es fundadora y directora de la Oxford Youth Dance, la DugOut Adult Community y la Crossover Intergenerational Dance Company, y cofundadora y directora de la Oxford Youth Dance Company. Ha sido profesora de Artes en la Comunidad en la Coventry University durante nueve años. Su trabajo se basa en su profunda creencia de que la danza es para todo el mundo; fomenta la individualidad y la genuinidad de cada bailarín. Como performer, Cecilia se mantiene siempre atenta a la expresividad, al cómo el movimiento puede comunicar con tanto vigor sin necesidad de palabras. Su trabajo está muy influenciado por sus estudios con Joan Skinner, Helen Poynor, Deborah Hay y, más recientemente, con Anna Halprin.

En el siguiente link, puede accederse a un vídeo sobre la Crossover Intergenerational Dance Company: http://vimeo.com/10880880

“Abierto al Público”, una herramienta de apoyo a la gestión de públicos

Texto introductorio para la presentación del proyecto “Abierto al Público” de la Red de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública, por José Luís Rivero el viernes 11 de junio a las 16:00h.

José Luís Rivero es director artístico del Auditorio de Tenerife y miembro de la Junta Directiva de la Red de Teatros.

La creciente oferta de ocio y cultura ante la que se encuentra el ciudadano actual motiva inevitable que los teatros exploren nuevas formas de relacionarse con el público. Desde sus inicios, La Red de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública ha mantenido abierto el debate y la reflexión sobre la necesidad de los teatros de adaptar sus estrategias de promoción y comunicación al ritmo de la sociedad actual.

En los últimos años, se ha vivido un gran impulso en la rehabilitación y construcción de espacios escénicos, así como al incremento en la producción de teatro, música y danza. La oferta cultural ha aumentado notablemente. Y en opinión de La Red, la inversión en “cultivar la demanda” no ha sido proporcional. Para su presidente, Gerardo Ayo, “la realidad es que actualmente nos encontramos con que la revolución tecnológica ha traído otros elementos de ocio y entretenimiento a la sociedad con los que los teatros nos vemos obligados a competir. Competimos por la atención y el tiempo libre de los ciudadanos. El público es cada vez más exigente y los teatros no podemos estar ajenos a los cambios sociales y culturales, y sabemos que la captación de espectadores es hoy en día algo más compleja que hasta hace pocos años”.

‘Abierto al Público’ es un nuevo proyecto liderado por La Red que nace con el objetivo de abrir una esfera de reflexión, investigación, e intercambio de experiencias sobre todos los aspectos relacionados con la gestión y captación de públicos. Este documento reúne entrevistas con algunos de los asociados, que comparten las iniciativas, ideas, y programas que han impulsado en distintos auditorios y teatros de titularidad pública para la captación de sus públicos. En esta primera recopilación, se constata que la disponibilidad de recursos humanos, técnicos y económicos varía tanto como los ejemplos expuestos; que hay teatros que cuentan con una  estrategia de trabajo y, en el otro extremo, espacios que consiguen sacar adelante ingeniosas iniciativas con mucho esfuerzo y menos recursos. También se encuentra el ejemplo de teatros que optan por acercar el hecho artístico a través de programas educativos, y otros especialmente atentos a las utilidades de las bases de datos.

Doce ejemplos de fidelización y captación de espectadores

Algo que todos los espacios escénicos que participan en  este primer número tienen en común es otro componente imprescindible para el desarrollo de audiencias: la voluntad de buscar la complicidad de colaboradores en otros organismos. Esta primera recopilación recoge 12 ejemplos de teatros y salas que  llevan años trabajando en la formación de públicos. La Red inicia a través de ‘Abierto al Público’ una nueva andadura para optimizar las estrategias de desarrollo de audiencias en los teatros, auditorios, circuitos y festivales de nuestro país. Como asociación lleva varios años debatiendo y trabajando sobre métodos de creación y fidelización de públicos y ha descubierto que el desarrollo de audiencias es una “carrera de fondo”, un tipo de trabajo que ha de renovarse permanentemente.

Objetivos

El primer número de ‘Abierto al Público’ incluye un artículo de la investigadora mexicana Lucina Jiménez, autora del libro Teatro & Públicos: el lado oscuro de la sala, que se titula titulado ‘¿Y el público? Bien, gracias’, y que aborda el protagonismo del público en el hecho teatral y la necesidad de conocer las particularidades de las personas que ocupan el patio de butacas a la hora de programar espectáculos o diseñar políticas culturales que han de competir con otros reclamos de ocio y entretenimiento.

El resto de las páginas de esta publicación están dedicadas a contar la experiencia de 12 espacios escénicos de La RED. A través de entrevistas a sus responsables (directores, directores artísticos, gestores, coordinadores, programadores, técnicos o gerentes) se traza un mapa de iniciativas, programas, planes e ideas que han empleado estos espacios escénicos para fidelizar y crear público. En este primer número, se ha contado con los testimonios de; Fernando Sáez de Ugarte, coordinador del Auditorio Barañáin de Navarra; José Luis Rivero, director artístico del Auditorio de Tenerife; Pepe Vélez, gestor y programador de la Sección Teatros de Cádiz; Francesc Casadesús y Judit Bombardó, director y responsable de programas de públicos del Mercat de les Flors de Barcelona; Joaquim Aloy, técnico de la Oficina de Difusió Artística del Área de Cultura de la Diputación de Barcelona; Andoni Olivares, director de programación y operaciones del Teatro Arriaga de Bilbao; Raquel Molina, directora del Teatro Adolfo Marsillach de San Sebastián de los Reyes (Madrid); Paco Flor, director del Teatro Chapí de Villena (Alicante); Ricardo Beléndez, director del Teatro Circo de Albacete; Alicia Roldán y Jaime Pintor, gerente y gestor de audiencias del Teatro de la Abadía de Madrid; Carmen Veiga y Antonio Criado, directora y programador del Teatro Jovellanos de Gijón y Gerardo Ayo, gerente del Teatro Social de Basauri (Bizkaia).

Diferentes iniciativas

A través del relato de sus experiencias, los lectores de ‘Abierto al público’ descubrirán exitosas iniciativas como ‘Manos a la Ópera’, del Auditorio Barañáin; las actividades artísticas de carácter educativo y social del Auditorio de Tenerife; la revitalización de la imagen del teatro en Cádiz y sus propuestas por sacarlo a la calle, además de su apuesta por la renovación y el pequeño formato como fórmula de futuro para mejorar la competitividad. El Mercat de les Flors trabaja en la segmentación del público y en programas para entender y disfrutar la danza, y los programas ‘Vamos al Teatro’ y ‘Taller de Teatro’, de la Diputación de Barcelona, son algunos de los más veteranos. Por su parte, el Teatro Arriaga y el Teatro Social de Basauri trabajan en el fomento de los carnés de Amigo del Teatro y la fidelización de los diferentes grupos sociales. Algo similar a lo que persigue el Teatro de la Abadía con su base de datos de Amigos del Teatro. En otros centros, el principal empeño se manifiesta en la captación de público infantil y juvenil, con propuestas relacionadas con la promoción del teatro escolar como las del Auditorio Adolfo Marsillach o los ‘Desayunos y Meriendas Saludables’ del Teatro Circo de Albacete. El Teatro Jovellanos ha diseñado el programa ‘Descúbrelo’, para fomentar la participación de la audiencia más joven. Finalmente, el Teatro Chapí nos desvela cómo se aplican técnicas de comunicación y marketing a las audiencias y el aprovechamiento arquitectónico del edificio para acercar el hecho teatral a los ciudadanos.

El Espectador Acompañado

Texto introductorio para la presentación del proyecto “Laboratorio de Espectadores” del festival VEO de Valencia, por Mariví Martín el viernes 11 de junio a las 16:00h.

Mariví Martín es la directora artística del festival VEO (Valencia)

En esta ciudad, como en muchas otras, sólo se había considerado al espectador como objeto de análisis desde el punto de vista del marketing, es decir, como un consumidor. Nuestra intención, en cambio, nació de la necesidad de “conocer” al público, de acompañarlo. Con este objetivo pusimos en marcha en 2009 el Laboratorio de Espectadores; una línea de trabajo cercana a la mediación cultural que pone el acento en la idea de proximidad, de conexión y vivencia cultural, que tiene en cuenta tanto las personas como las prácticas artísticas. A través de diferentes formatos que se modifican en cada edición del festival, proponemos articular una aproximación entre el público y la escena contemporánea, dotando a cada espectador de instrumentos de interpretación, facilitando encuentros e intercambios con los artistas, conocimiento de los procesos creativos, acercamientos desde el cuerpo y la experiencia creativa.

El primer Laboratorio de Espectadores se realizó durante el Festival VEO 2009 y se encargó a tres jóvenes creadores de Valencia (Vicente Arlandis, Marc Martínez y Rocío Pérez). Ellos convocaron y coordinaron un grupo de crítica formado por 20 personas de perfiles muy diferentes y llamado “Reflexiones y balidos”. Visionaron todos los espectáculos del Festival y participaron en intercambios abiertos de opinión (tertulias) y otras actividades de talante más creativo. No todos los soportes tuvieron la misma fuerza de convocatoria ni la misma calidad en su resolución, pero –y a pesar de que sus miembros iniciales han cambiado-, el grupo sigue funcionando a través de su blog y se reúnen por su cuenta para ver espectáculos y concertar encuentros con los artistas, o debatir sobre el concepto de “espectador”.

En el segundo Laboratorio, realizado en VEO 2010, se acotó el perfil del participante a espectadores sin relación profesional con la creación escénica, y especialmente a profesionales de la educación, la formación, la gestión cultural y las políticas de creación y estimulación de públicos. La propuesta fue un Curso para espectadores impartido por el diseñador de las políticas de Mediación Cultural de La Villette (París), Mehdi Idir. El Curso planteó diferentes módulos: momentos de reflexiones compartidas sobre temáticas que surgían de la programación (¿Qué es ser espectador? ¿Qué es representar? ¿Qué vínculos hay entre el espacio de la actuación y el espectáculo?); un repaso por la memoria de algunos espectadores invitados; encuentros y talleres con los creadores; visitas a las áreas técnicas de los montajes más complejos; análisis de los espectáculos.

El propio Mehdi Idir nos aporta esta reflexión: “Estamos convencidos que los aspectos que hacen de las personas espectadores activos, dispuestos a reconocer y a la vez dar valor a la nueva creación escénica, van de la mano del conocimiento, del acercamiento y la interacción con los artistas. Sabemos que para conocer mejor las claves y los códigos de la creación contemporánea y, mas allá, para que los públicos alcancen en sus construcciones personales una autonomía cultural, y para disfrutar más las artes en vivo, hay que transformar las costumbres y proponer nuevas experiencias. Después de haber analizado en el Curso el espectáculo de Gabi Ochoa, los 25 espectadores decidieron ponerle un final a la historia que nos contó. Se puede pensar que el ejercicio no es muy importante. Sin embargo, ya está abriendo el camino hacia la creación. Más que nada, este Curso fue el enfoque del proceso creativo; su misión era promover la interpretación de los proyectos artísticos y culturales presentados en el VEO, aportando las herramientas simples pero necesarias para la construcción de una crítica sensible. En este sentido, el Curso trabajaba la relación entre pasado y futuro, la articulación de lo social y espiritual, la confrontación entre el individuo y el mundo”.

“El NOSOTROS, NOSOTROS, NOSOTROS y el YO, YO, YO”

Texto introductorio para el grupo de trabajo “Coreografías de la multitud” por Gabriel Smeets.

Gabriel Smeets es el impulsor y moderador de este grupo de trabajo. Es director artístico de la School for New Dance Development (SNDO) de Ámsterdam.

Quisiera explorar en este contexto ideas sobre lo individual y lo colectivo, sobre el individuo y la masa, centrándome en los conceptos de coreografía individual (solo) y de coreografía colectiva.

Durante los pasados meses de enero y febrero, Deborah Hay desarrolló para y con 34 estudiantes de la SNDO una coreografía colectiva que lleva por título Breaking the Chord. Justo después del estreno de la pieza, un colega, el dramaturgo Felix Ritter, se acercó y me dijo: “Sabes, lo que ella ha hecho es exactamente a lo que se refería Peter Brook cuando escribió sobre el Nosotros y el Yo”.

Brook escribe: “En los 60 y 70 siempre estábamos juntos, lo hacíamos todo juntos, lo compartíamos todo y decíamos: nosotros, nosotros, nosotros. En los 90, siempre estábamos juntos, lo hacíamos todo juntos, lo compartíamos todo y decíamos: yo, yo, yo.”

La problemática actual entre individualismo y formación grupal es un antagonismo. El antagonismo de la irresistible tendencia a formar una comunidad y, al mismo tiempo, la constante resistencia que amenaza a esta comunidad.

El cambio de las coreografías colectivas a los solos y de los solos a las colectivas desarrolladas a partir de solos parece avanzar en paralelo a algunas teorías postmodernas que aducen que hemos alcanzado un punto en el que estamos intuyendo el final de los movimientos de tipo colectivo. Las razones para ello radicarían en el hecho de que se asocian los movimientos colectivos a problemáticas de la modernidad y que se está atomizando al hombre.

Estamos descubriendo a partir de fuentes diferentes (entre las que Internet sería sólo una fuente más) que nuestro mundo se encuentra cada vez más descentralizado. Nos enfrentamos a públicos que, de hecho, están muy fragmentados. Les encontramos a menudo en sus salones, nos dejan entrever sus espacios privados; se trata de espectadores individuales con cámara web, ordenador portátil, cascos, teléfono móvil… Ya no les tenemos formando un colectivo, y, a mi entender, una de las más interesantes e importantes cuestiones es la de entender este cambio que se produce entre el final del siglo XX y el principio del XXI, y con el que se originan un sinfín de fenómenos colectivos que son experimentados de maneras muy distintas. Una coreografía colectiva sería ahora una coreografía de individuos que disponen de su propio espacio y tiempo, pero, a su vez, en relación al colectivo; este colectivo, asimismo, dispondría también de su espacio y de su tiempo.

Ámsterdam, 12 de abril de 2010

“Prácticas de Colaboración”

Texto introductorio para el Grupo de Trabajo “Prácticas de Colaboración” por Roger Bernat

Roger Bernat es director escénico.

Al hacer desentenderse a los ciudadanos de los negocios públicos, el resultado del régimen imperial es tornarlos egoístas, concentrados en sus vidas privadas y afanosos de riquezas, y esto –al someter a los hombres actuales al yugo de sus pasiones y corromper sus naturalezas– completa el círculo vicioso, haciendo de ellos seres más dignos de ser mandados que de mandar.

Anónimo del Siglo I, Sobre lo sublime. Citado por A. Escohotado

La primera vez que fui a Wuppertal a una tanzabend me fascinó entender que ese montón de bailarines, actrices, magos e incluso forzudos aportaban parte de sus conocimientos y experiencias para generar un discurso mayor, la eterna reflexión que Bausch repetía una y otra vez alrededor de los estragos del amor.

Las coreógrafas dieron voz a sus intérpretes y los espectáculos se convirtieron en creaciones colectivas, en discursos corales, en suma de talentos. Nadie interpretó ese gesto como una crisis de creatividad, al contrario, se celebró que los coreógrafos fueran capaces de integrar en sus espectáculos la singularidad del movimiento y la subjetividad de unos intérpretes que pasaban a ser parte sustancial del discurso.

Sin embargo, la capacidad histórica de las artes escénicas de generar discursos colectivos no se ha cincunstrito a la escena. A menudo ha ido más allá y ha integrado al público en la obra. Sólo hay que pensar en la danza anterior al barroco, una actividad que arrastraba al público hacia la celebración o, mucho más tarde, en las incontables estrategias del siglo XX destinadas a romper la barrera wagneriana que separó escena y platea.

Recuerda Rancière que en las paredes de una universidad alemana rezaba el siguiente cartel: El teatro sigue siendo el único lugar de confrontación del público consigo mismo como colectivo. Reinvindicar esa confrontación y definir los términos en los que se produce es una tarea que me gustaría abordar durante la sesión de trabajo. Otras muchas disciplinas alejadas de la escena han emprendido caminos similares desde lugares más o menos afortunados. Pienso en las redes sociales y el espacio público virtual que generan; en la Estética Relacional de Bourriaud y esa manera un tanto pueril de reinventar el teatro desde el arte; o en las estrategias de la ciencia cada vez más volcada en abordar los problemas del ser humano desde una perspectiva macroscópica y colectiva.

Sin embargo, me gustaría centrar esta sesión de trabajo en las artes escénicas y los elementos que nos permiten hablar de una creación compartida con el espectador. Con este propósito me gustaría primero detectar junto con los participantes los síntomas que pudiéramos haber observado en los espectáculos que todos tenemos en la memoria para, a continuación, delimitar y definir la especificidad de lo escénico como territorio de lo social